Manuel de Oliveira & Bianca Gismonti

(PT/BR)

Há encontros que só a música explica. Portugal e Brasil partilham um oceano, uma língua e uma melancolia específica, essa capacidade de transformar a saudade em beleza. Mas partilham também algo menos falado: uma tradição de música instrumental que se recusa a ser apenas acompanhamento, que insiste em ter voz própria, em contar histórias sem palavras. É nessa tradição que Manuel de Oliveira e Bianca Gismonti se inscrevem e é dela que fazem a sua própria coisa.

Quando um guitarrista de Guimarães e uma pianista carioca se sentam em palco juntos, sem partitura nem mapa, estão a fazer algo mais do que música: estão a renegociar essa história longa e por vezes dolorosa, em tempo real, com dois instrumentos e toda a sua vida acumulada.

Manuel de Oliveira aprendeu guitarra com o pai, Aprígio Oliveira, e foi pela sua própria mão que percorreu o mundo em busca de outras tradições: o flamenco, a música sul-americana, o fado. Largamente autodidata, construiu uma linguagem imediatamente reconhecível na sua constante mutação, sempre a investigar os mesmos temas: fronteira, identidade, território, comunidade. O que significa pertencer a um lugar? O que fica quando se parte? Em 2022, o álbum Ibéria 20|22, gravado com Jorge Pardo e Carles Benavent, os mesmos músicos com quem estreou há vinte anos, valeu-lhe o Prémio Carlos Paredes, a maior distinção da música instrumental portuguesa.

Do outro lado do oceano, Bianca Gismonti, filha do pianista, violonista e compositor Egberto Gismonti e da atriz Rejane Medeiros. Cresceu dentro da música como quem cresce dentro de uma casa, inevitavelmente, sem escolha e sem arrependimento. Aos nove anos começou a estudar piano; aos quinze já acompanhava o pai em digressão pelo mundo. A herança de Egberto Gismonti, um dos arquitetos mais singulares da música instrumental brasileira, que fundiu erudição europeia, jazz americano e ritmos da Amazónia numa obra de rara profundidade, está em cada nota que Bianca toca. Mas a voz que ela construiu é inteiramente sua.

Ao longo de duas décadas de carreira, Bianca percorreu a Europa, a Ásia e as Américas com o Duo Gisbranco e com o seu próprio trio, colaborou com Chico César, Jaques Morelenbaum, Nana Vasconcelos e Mônica Salmaso, e lançou uma discografia que cresce em profundidade e risco a cada capítulo. Manuel de Oliveira, por sua vez, construiu uma reputação europeia sólida ao longo de mais de vinte anos. Actuações ao lado de Brad Mehldau, Chick Corea, Mike Stern e Richard Galliano.

A parceria entre os dois surgiu com a naturalidade das coisas que deveriam ter acontecido mais cedo. No início de 2026, deram oito concertos no Brasil: Florianópolis, Blumenau, Porto Alegre, Rio de Janeiro, Belo Horizonte, São Paulo. Em cada sala, a mesma experiência descrita pelo público: a sensação de presenciar um diálogo em que o silêncio importa tanto quanto o som.

O repertório é inteiramente autoral, construído no intervalo entre o fado e o jazz e a MPB sem pertencer completamente a nenhum dos três. Guitarra e piano respiram juntos, exploram polirritmias, constroem paisagens sonoras onde a improvisação não é ornamento mas estrutura. Entre eles, o silêncio torna-se paisagem. O som transforma-se em encontro que o Med honra em receber.

Sangue Suor

(PT)

Há músicas que nascem de um lugar. E há músicas que nascem de uma necessidade.

Portugal tem uma relação antiga com o ritmo. Da percussão dos batuques que atravessaram o Atlântico à pele tensa dos tambores e dos bombos de festa. É um país que guarda no corpo aquilo que não consegue dizer em palavras. Num tempo em que quase tudo cabe num ecrã, três músicos decidiram insistir no oposto: no peso, na matéria, no embate físico com o instrumento.

Tudo começou com um número: 106. Os anos de vida do Theatro Circo de Braga, celebrados em abril de 2021 com a encomenda de um tema comemorativo. Rui Rodrigues, veterano de projetos como At Freddy’s House, OSSO e Ângela Polícia, propôs algo incomum: um momento percussivo partilhado com outros bateristas. Convidou Ricardo Martins, de carreira vasta que inclui Pop Dell’Arte, Jibóia e Filho da Mãe, e Susie Filipe, das Moonshiners e da SIRICAIA. O tema resultante chamou-se Sangue & Suor.

Os três vêm de histórias diferentes. Do rock, do experimentalismo, do teatro, da rua. Mas reconheceram-se na mesma fome de som. Seguiram-se residências artísticas em Leiria, longe da pressão dos palcos, à procura de uma linguagem que ainda não tinham explorado juntos. Em 2023, estrearam O Salto, editado numa parceria entre o Theatro Circo e a Omnichord Records, com seis temas e convidados que mapeiam uma cena portuguesa viva e plural: Surma, Selma Uamusse, LARIE e Cabrita. Nomes que abrem o universo rítmico do trio a melodias, sintetizadores e texturas eletrónicas, num diálogo entre percussão orgânica e camadas processadas.

A identidade sonora dos Sangue Suor é um animal raro. Três baterias dispostas como um pequeno exército, polirritmias que tanto podem sugerir dança como transe, clube noturno como ritual xamânico.

O som que resulta é irrequieto e atravessa fronteiras entre o experimental e o dançável, entre a fúria e a meditação, entre o jazz de câmara e a eletrónica, entre o Portugal de dentro e a diáspora.

Sangue Suor chegam ao Med com um repertório sedimentado e uma cumplicidade em palco que só o tempo cria. Aquilo que fica depois de se dar tudo.

Daniel Kemish & Friends

(UK)

A América profunda não existe só na América. Existe em qualquer lugar onde um homem pegue numa guitarra, olhe para o horizonte com a resignação dos que perderam muito e a teimosia dos que continuam à mesma, e decida pôr isso numa canção. Existe em Nashville, em Bakersfield, nos campos de algodão do Mississippi, mas existe também, de forma mais improvável e por isso mais interessante, numa infância passada em Portugal, num rapaz britânico que cresceu entre o Atlântico e o Alentejo e ficou para sempre convencido de que nasceu no continente errado.

Daniel Kemish nasceu no Reino Unido, mas foi em Portugal que cresceu e essa dupla pertença moldou nele algo que os americanos genuínos raramente conseguem: a distância necessária para ver a tradição com clareza, sem a pressão de ter de a defender ou de a trair. Começou a tocar em bares e clubes britânicos em 2006, a tocar canções de outros, à procura da sua voz. Em 2011, decidiu que era tempo de ter algo próprio para dizer. Tinha histórias acumuladas de estradas percorridas, de noites em países sem nome na memória, de pessoas encontradas e deixadas para trás.

A música de Daniel Kemish é americana no sentido mais nobre do termo. Aquele que precede a moda e sobrevive a ela. Blues, country, folk alternativo, tudo passado pelo filtro de alguém que conhece a tradição porque a amou antes de a estudar.

O álbum de estreia Fools & Money, gravado nos legendários estúdios Ocean Way em Nashville, onde Bob Dylan, Elvis Costello e REM já tinham gravado, foi lançado em 2016 e estabeleceu de imediato as coordenadas: voz de barítono rascante, letras observacionais e sombrias, country filtrado pela sensibilidade Outlaw dos anos 70. As influências são claras e declaradas. Bob Dylan, Johnny Cash, Waylon Jennings, Bob Seger. Mas o que Daniel Kemish faz com elas é seu: não imitação, mas linhagem. O segundo álbum, Under The Same Sky, foi escrito em isolamento radical, num refúgio nas montanhas austríacas sem eletricidade, sem água corrente, sem telefone, aquecido apenas por uma salamandra e pela urgência de criar. Em 2023, Hard Times, gravado inteiramente em fita analógica nos estúdios Welcome to 1979 em Nashville, misturado ao vivo sem computador, cortado diretamente para vinil em lacas analógicas, chegou como afirmação de princípios: que a honestidade do som importa tanto quanto a honestidade das palavras.

Daniel Kemish construiu grande parte da sua reputação a solo. Apenas ele, a guitarra e a sala. Mas ao longo dos anos foi reunindo músicos de confiança para os momentos em que as canções pediam mais do que uma voz e seis cordas. Os Friends que o acompanham no MED não são decoração: são a extensão natural de um som que cresce quando partilhado.

Natacha Atlas

(EG/BE)

Nos anos 90, quando o panorama musical global começava a abrir-se às fusões e às identidades híbridas, surge uma voz que desafia fronteiras: Natacha Atlas. Símbolo maior de uma geração que procurou unir o Oriente e o Ocidente. Da eletrónica urbana de Londres aos ecos melismáticos do Cairo antigo, a sua música foi e continua a ser um território onde culturas se tocam, dialogam e se reinventam.

Filha de pai de origem árabe (com raízes egípcias, marroquinas e palestinianas, e alguma ascendência sefardita) e mãe inglesa, Natacha cresceu entre Bruxelas e o Reino Unido, movendo-se entre mundos com naturalidade. A descoberta artística dá-se em plena década de 1990, no epicentro multicultural de Londres, através da editora Nation Records, bastião das fusões ousadas entre eletrónica, dub e música árabe. Foi também aí que se cruzou com os Transglobal Underground, coletivo que lhe abriu as portas (e com quem continua a atuar) de uma imaginação sonora sem limites. Essa colaboração inaugurou a sua assinatura: uma alquimia de máquinas e maqams, sintetizadores e derbakes, beats e baladi.

Da estreia a solo com Diaspora (1995) a discos como Gedida (1999) ou Ayeshteni (2001), Atlas construiu um percurso coerente e aventureiro. A sua voz transita livremente entre dialetos árabes, inglês e francês; funde a tradição vocal egípcia de Umm Kulthum com o impulso cosmopolita do trip-hop e da música eletrónica. Colaborou com mestres como Nitin Sawhney, Jean-Michel Jarre, ou Ibrahim Maalouf, e soube reinventar-se em direção a uma sonoridade mais acústica, de câmara, onde o alaúde e o violino árabe convivem com o contrabaixo e o piano.

A música de Natacha Atlas é, acima de tudo, um lugar de pertença plural. A sua voz, quente e translúcida, atua como ponte entre continentes e tempos históricos. Cada canção é uma travessia: do Magrebe ao Levante, da melancolia andaluza à vibração eletrónica, da espiritualidade sufi ao desejo pop.

Nove anos depois de ter atuado no Ciclo Mundos do Teatro da Trindade, Natacha Atlas regressa a Portugal com uma maturidade luminosa. A sua voz continua a exalar o mesmo poder hipnótico, agora mais depurado, mais sábio. Acompanhada por músicos que se movimentam entre a improvisação jazzística e o fraseado árabe clássico, a artista transforma o concerto num ritual sensorial: ancestral e futurista, íntimo e universal.

Expresso Transatlântico

(PT)

Há uma Lisboa que não cabe num postal. Que não se explica em verso de saudade nem em cartão turístico. É mestiça, em contante movimento, aberta ao Mediterrâneo, ao Atlântico e ao resto do mundo. A partir desta Lisboa, os Expresso Transatlântico transformam a guitarra portuguesa em personagem principal de um filme sonoro que tanto cabe num clube intimista, como num grande festival de rock ou de músicas do mundo.

No centro do trio está Gaspar Varela, guitarrista português de exceção e bisneto da histórica fadista Celeste Rodrigues, herança que garante uma linha direta à casa de fado e ao património de Amália. Ao lado, o irmão Sebastião Varela assume a guitarra elétrica e Rafael Matos a bateria, deslocando o fado para um território onde a tradição dialoga, sem reverência cega, com a cidade de hoje. Não vêm “evangelizar” o fado, como gostam de sublinhar; vêm antes provar que o ADN fadista pode sobreviver e florescer fora das fronteiras do género.

Depois de um EP de estreia apresentado na WOMEX de 2022 (a maior feira de músicas do mundo), lançam em 2023 o álbum Ressaca Bailada. Obra descrita pela crítica como um “baile de beleza e fúria com saudades do futuro”, onde o fado se cruza com rock, blues, funaná, samba e ecos do cinema de western à portuguesa, entre referências que vão de Dead Combo a Zeca Afonso.

Em palco, o Expresso Transatlântico é uma outra coisa. A música ganha corpo, urgência, uma fisicalidade que os registos gravados apenas anunciam.

Ao MED trazem o segundo e novo álbum que saiu em janeiro deste ano. Trópico Paranóia, produzido por Paulo Furtado (The Legendary Tigerman), assume mais risco e tensão, olhando de frente para um mundo em decadência, sem perder a pulsação festiva que a define.

Num tempo em que se levantam muros e se desconfia da mistura, os Expresso Transatlântico respondem com um baile humanista. A sua diversidade é riqueza, não ameaça.

Tangomotán

(FR)

Desde o início que o MED foi um festival que sempre acolheu outras músicas para além das provenientes da extensa bacia do Mediterrâneo. A quarta edição de 2007 encerrou com a formação argentina Bajofondo Tango Club do mestre Gustavo Santaolalla.

19 anos depois, o MED recebe um novo coletivo de eletrotango que evoca estas e outras boas memórias como as de Gotan Project.

Tangomotán é um quarteto parisiense, formado em 2016, que reinventa o tango como música de hoje: fusão visceral de tradição argentina, formação clássica europeia e impulsos electrónicos dançantes. É o tango aumentado (e não eletrotango) como eles bem gostam de referir.

Constituído por músicos exímios de formação clássica nos conservatórios de Paris (CRR, CNSM) e Gennevilliers, como Blanche Stromboni (contrabaixo), Marion Chiron (bandoneon), Robin Apparailly (violino) e Leandro Lacapère (piano), este ensemble transforma o palco num laboratório de tango vivo, acessível e electrizante.

A sonoridade dos Tangomotán funde o tango raiz com bandoneon, violino, piano e contrabaixo a elementos eletrónicos (como loops e distorções). Partindo de melodias tradicionais, amplificam ritmos e improvisações, ecoando os pioneiros do tango eletrónico, mas com um toque operário e humanista, sempre centrado na dança e na energia viva do género. O álbum Motán (2024) e o mais recente L’Étreinte (2026) são a demonstração mais cabal desta alquimia: música que sabe de onde vem e não tem medo de não saber para onde vai.

Ao vivo, vestem o bleu de travail para um visual cru e autêntico, entregando-se a performances viscerais de improvisação e fusão acústico-eletrónica. Dos palcos intimistas aos grandes festivais, hipnotizam com energia contagiante, transformando cada concerto numa milonga moderna e universal.

Para os Tangomotán, o tango não é um género do passado encerrado em si mesmo, é uma linguagem viva, capaz de absorver o presente sem perder o carácter.

Lalalar

(TR)

Istambul é uma cidade que nunca dorme. Ao longo de séculos, foi capital de impérios, encruzilhada entre o Oriente e o Ocidente, depósito vivo de civilizações sobrepostas como camadas geológicas. Mas a Istambul de hoje é também outra coisa: uma metrópole de vinte milhões de pessoas a viver sob pressão política crescente, onde a juventude respira arte como quem respira por necessidade. É desse caldeirão que a Lalalar emerge. Não como produto de exportação, mas como grito urgente de dentro.

O nome já é uma declaração de intenções: lala era, no tempo do Império Otomano, o tutor dos príncipes. O homem mais sábio da corte. Mas em turco moderno, a palavra adquiriu também o sentido oposto: o palhaço, o tolo, o que não leva nada a sério. A Lalalar vive exatamente nessa tensão entre o sábio e o bufão, entre o arquivo e a subversão. Formada em 2019 por Ali Güçlü Şimşek, Barlas Tan Özemek e Alican İpek, três músicos veteranos da cena de Istambul, a banda chegou tarde à festa, mas chegou com tudo: com a maturidade de quem já sabe o que quer dizer e a impaciência de quem não tem tempo a perder.

Em 2022, o álbum de estreia Bi Cinnete Bakar (“À Beira da Loucura”) lança-os para o radar europeu com uma força que ninguém esperava. A editora suíça Les Disques Bongo Joe, a mesma que acolhe vozes tão diversas como Meridian Brothers ou Orchestre Tout Puissant Marcel Duchamp, reconhece imediatamente o que tem entre mãos: algo que não cabe em nenhuma prateleira. Em 2023, En Kötü İyi Olur (“No Pior, Vai Correr Bem”) confirma a promessa e alarga o vocabulário: letras sobre política, rebeldia, personalidades narcísicas, triângulos amorosos e a eterna luta contra a hipocrisia do poder.

A Lalalar não faz fusão no sentido turístico da palavra. O que fazem é mais estranho e mais honesto: escavam o legado da Anatólia: o saz, as polirritmias antigas, a herança do psicadelismo turco dos anos 70. Fazem-no passar pela corrente de alta tensão do punk, da eletrónica industrial, do funk e da new wave dos anos 80. O resultado é desconcertante e irresistível: linhas de baixo gordas cinematográficas e hipnóticas, batidas elétricas e sujas, guitarras que se enrolam como serpentes, que ora soam a surf, ora a rock anatólio, samples que piscam o olho tanto ao cinema turco antigo como à cultura de videojogo.

A voz surge por vezes declamada, quase rap, noutras em registo hipnótico, repetitivo, criando slogans e imagens que se colam à memória. As canções constroem-se como colagens, cheias de recortes, efeitos, cortes bruscos, mas há sempre um fio condutor rítmico que mantém o corpo em movimento. É uma música que respeita a canção, mas pensa como DJ: sempre à procura da próxima subida de energia.

Omar And the Eastern Power

(MA/EG/KR)

A Coreia do Sul é o último lugar onde alguém esperaria encontrar os blues do deserto do Saara e a música espiritual gnawa do norte de África. Mas o século XXI tem dessas belas ironias. Num mundo onde a globalização desfaz fronteiras ao mesmo tempo que a política as reconstrói, há músicos que escolhem viver exatamente no intervalo entre os dois movimentos: a habitar países que não são os seus, a cantar em línguas que não são as da sua infância, a fazer da condição migrante não um problema, mas uma linguagem. Omar Benassila chegou a Seul vindo de Marrocos. O baterista Zaky Wael veio do Egipto. Os membros coreanos cresceram do outro lado do mundo.

Tudo começou em Jeju, a ilha vulcânica a sul da Coreia, conhecida pelos seus jardins de lava, pelas suas pescadoras mergulhadoras e pelo seu vento constante. Foi nessa ilha improvável, numa pequena casa de pescadores, que Omar Benassila se instalou em 2015 a escrever canções. Tinha chegado à Coreia uma década antes, integrado na cena de música ao vivo do bairro de Hongik em Seul, tocado jazz, rock e música clássica com músicos coreanos, participado em residências artísticas. Em Jeju, encontrou a quietude necessária para ouvir o que tinha para dizer: algo que soava a Sahel, a Marrocos, ao transe gnawa e ao deserto do Saara. Partilhou as canções com Zaky Wael, o percussionista egípcio que vivia em Seul. Wael apaixonou-se imediatamente. Juntaram-se dois músicos coreanos: Oh Jin-woo na guitarra e Tehiun no baixo. A banda formou-se em 2016, com um nome que é, ele próprio, uma declaração de identidade: Omar e o Poder Oriental.

A música dos Omar and the Eastern Power é o que acontece quando a nostalgia do deserto encontra a percussão do Rio Nilo e os dois são filtrados pela sensibilidade musical coreana: disciplinada, precisa, com uma relação profunda com o ritmo que vem de tradições milenares. O blues gnawa marroquino fornece o trance e a espiritualidade; o afrobeat dá o groove e a energia coletiva; o dub abre espaço e silêncio; o rock psicadélico faz tudo explodir quando é preciso. As letras, escritas por Omar, são crónicas da vida migrante. A alegria e a tristeza, o trabalho duro e o amor, a saudade e o espanto de descobrir que o mundo cabe numa canção. O próprio Omar resumiu com precisão: “Acreditamos que a música é uma. E os géneros e estilos são um pouco como fronteiras entre países. Por isso tentamos ir para além delas.”

Num mundo fragmentado, Omar and the Eastern Power unem Magrebe, Nilo e o Extremo Oriente numa dança irresistível.

calle mambo

(CL)

Calle Mambo surgiram em 2013 nas ruas geladas de Munique, quando músicos chilenos, como o cantor Jhon Valle, o guitarrista Erkki Nylund, Guillaume Laumière no charango e Jankely Felix na percussão, se reuniram para tocar na rua. Músicos migrantes que buscam sustento e pertença ao mesmo tempo. O nome surgiu como uma piada: “mambo na calle”, capturando o espírito espontâneo e de rua que os define desde o início.

O ponto de partida, é a riqueza descomunal das músicas populares latino-americanas. Não apenas as mais conhecidas internacionalmente, mas as que a globalização foi empurrando para as margens: o huayno dos Andes peruanos, o caporal boliviano, a timba cubana, a cumbia colombiana e chilena nos seus muitos dialetos. É sobre estas raízes que Calle Mambo funde a eletrónica, o rap, os beats contemporâneos, e o resultado é o que a banda batizou de folklor electro-urbano: uma linguagem que faz a ponte entre gerações sem trair nenhuma delas.

Inspirados em pioneiros como Celso Piña, que revolucionou a cumbia com hip-hop e energia roqueira, gravaram álbuns como o homónimo de 2015, Electro Pachamámico (2020) e o recente Retumba la Tierra (2025).

O arsenal instrumental é, por si só, uma declaração de intenções. Em palco, Calle Mambo interpreta mais de dez instrumentos, como quena, quenacho, charango, ronroco, zampoña, gaita colombiana, cuatro venezuelano, tiple, timbales, sintetizadores e percussão eletrónica. Cada peça é uma viagem que parte dos Andes e chega à pista de dança. As letras não ficam aquém do som. Falam de migração forçada, de destruição de ecossistemas, de opressão e de resiliência.

Os Calle Mambo chegam ao MED com o fôlego de uma banda em contínua digressão e com o repertório mais maduro da sua trajetória, com a energia de quem tem urgência em comunicar, não apenas ritmos, mas