Ëda Diaz

(CO/FR)

A Colômbia é um país de músicas impossíveis de contar. O vallenato nas planícies caribenhas, o bambuco nas montanhas andinas, o currulao na costa pacífica negra, o bolero que chegou de Cuba e não quis partir, o tango que Medellín adotou com uma devoção que até os argentinos invejam. Tudo isso coexiste num território de vertiginosa diversidade que o mundo ocidental reduziu, durante demasiado tempo, a uma única imagem: a cumbia. Eléonore Diaz-Arbelaez cresceu a saber que havia muito mais. Cresceu também a saber que esse muito mais coexistia dentro de si com Paris, com a Bretanha, com os conservatórios e as salas de concerto europeias. E que a única forma honesta de fazer música era não escolher, era ser tudo ao mesmo tempo.

O nome artístico, Ëda, é a abreviatura do nome próprio e ao mesmo tempo uma declaração de singularidade: aquele trema sobre o e que não existe em francês nem em espanhol, que não pertence a nenhum alfabeto canónico, que é puramente dela. Nasceu em Paris, filha de mãe bretã e pai colombiano de Medellín. Desde muito nova, a vida foi uma travessia permanente entre dois continentes, duas línguas, duas formas de ouvir o mundo.

Ao longo da sua trajetória artística, Ëda passa por coros, experimentações eletrónicas, bandas híbridas, até chegar ao seu universo próprio, onde cabem bambuco, bullerengue, cumbia, vallenato e outros ritmos latino-americanos, reimaginados com sintetizadores, drum machines e uma delicadeza quase cinematográfica. Ouve-se nela tanto o eco das vozes campesinas da montanha como a sombra de trip-hop fumarento de Bristol, de pop alternativa francesa, de certa eletrónica que gosta de detalhe e espaço. Cada canção é um exercício de reconciliação: entre tradição e futurismo.

O som de Ëda Diaz é um corpo em mutação constante: o contrabaixo, carregado de efeitos, desenha linhas graves que parecem rios subterrâneos; por cima, a voz oscila entre o sussurro confessional e o canto ritual, em espanhol, francês ou num lugar intermédio onde as línguas se tocam.

Em 2024 lançou o álbum Suave Bruta, título perfeito para a música que contém: suave e bruta ao mesmo tempo, como a própria Ëda descreveu a sua identidade: “dois aspetos ricos e complementares que sempre vi como opostos”. O contrabaixo é o pulso insistente sobre o qual tudo o mais acontece: salsa esgalhada, currulao electrificado, dembow à colombiana, bambuco viejo revestido de sintetizadores, boleros fantasmagóricos. As influências são declaradas sem hierarquia: Björk e James Blake ao lado de Miles Davis e Juana Molina, García Márquez e Pablo Neruda nas letras que falam de amor, morte e os tormentos do mundo moderno. Samples do barulho de um salão de cabeleireiro, de pássaros tropicais, de melodias latino-americanas clássicas recortadas e recoladas. Uma produção que evoca a cidade e a savana em simultâneo, elegante e crua, introspetiva e inapelavelmente dançável.

Ëda Diaz traz ao Med o retrato vibrante de uma geração mestiça, que já não se revê em fronteiras rígidas e inventa outras formas de estar.

LALA TAMAR

(MA)

O Mediterrâneo é um mar de camadas. Nele se depositaram, ao longo de milénios, civilizações, línguas, religiões e deportações. Entre todas as histórias de encontro e de perda que as suas margens guardam, poucas são tão vertiginosas como a dos judeus sefarditas expulsos da Península Ibérica em 1492. Levaram consigo o castelhano medieval, misturaram-no com o árabe marroquino e com o hebraico, e criaram uma língua que durante séculos sobreviveu apenas nas bocas de mulheres, em canções cantadas em casas e em pátios. Essa língua chama-se Haquetia e estava quase morta quando Lala Tamar a encontrou.

O nome completo é Tamar Bloch. Nasceu na Galileia, em Israel, filha de mãe marroquina e pai brasileiro o que significa que cresceu com o árabe do Magrebe, com o hebraico e com o português a circular pela mesma casa, sem que nenhuma dessas línguas parecesse mais legítima que as outras. Lala é um honorífico marroquino que significa “senhora” ou “menina” e há nessa escolha de nome artístico toda uma declaração de fidelidade às raízes maternas.

A música que a salvou chegou tarde, na casa dos vinte anos, quando tropeçou nas gravações etnográficas das mulheres judaicas marroquinas a cantar em Haquetia, guardadas no Arquivo Nacional em Jerusalém. Aí percebeu que a sua voz não vinha só do presente: era herdeira de um coro de avós, tias, vizinhas, cujas melodias estavam à espera de ser reencarnadas.

O que fez a seguir foi digno de arqueóloga: transcreveu pacientemente as gravações, estudou a tradição musical clássica marroquina durante anos, aprendeu a tocar percussão e guimbri. O instrumento de cordas de origem gnawa, feito de pele de camelo, e tornou-se a primeira artista a gravar um álbum contemporâneo em Haquetia. O álbum de estreia homónimo, lançado em 2020 em plena pandemia é um manifesto de hibridização entre a tradição profunda das mulheres norte-africanas, música gnawa, andaluza, sefardita, a produção pop de pista de dança e batidas de eletrónica contemporânea.

Para Lala Tamar, a sua música não é só entretenimento: é um gesto de preservação e reinvenção cultural, que nos lembra que a memória também pode suar, rodopiar e rir. E porque, quando ela entra em palco, o passado deixa de ser passado. Torna-se batida, respiração, futuro em movimento.

Tó Trips & Fake Latinos

(pt)

Portugal tem uma relação complicada com a própria latinidade. É latino por língua, por história, por temperamento, mas sempre se sentiu um pouco à margem dos outros latinos, mais contido, mais saudosista, mais avesso à exuberância que o Brasil, a Colômbia ou Cuba exibem sem pedir licença. Nesse intervalo incómodo, entre o que somos e o que negamos ser, é que Tó Trips sempre habitou: um guitarrista da grande Lisboa que nunca se conformou com Lisboa, que sempre teve um pé dentro e outro fora, e que escolheu dar à sua nova banda o nome de uma contradição: Fake Latinos.

Com este novo quarteto abre um novo capítulo onde a música é “dissidência” contra o óbvio, viagem entre o que fomos e o que ainda seremos. Acompanham-no em mais esta viagem Alexandre Frazão na bateria, António Quintino no contrabaixo e Helena Espvall no violoncelo. Uma banda que evoca as migrações sonoras da lusofonia, do Brasil a Cabo Verde, passando por Espanha e América Latina, celebrando a mestiçagem como força viva.

Tó Trips acumula quase quatro décadas de ofício à guitarra. Um caso raro, na música portuguesa, de resiliência benigna e constante inventividade. Começou nos Amen Sacristi, depois passou pelos Lulu Blind e Dead Combo, a banda que fundou em 2003 com o contrabaixista Pedro Gonçalves e que durante dezasseis anos criou composições instrumentais marcadas pelo rock, pelos blues e pela tradição portuguesa, com influências que se estendiam a África e à América Latina.

Em 2025, enquanto andava na estrada numa outra viagem sonora imaginária denominada Club Makumba, lançou Dissidente em formato quarteto com os Fake Latinos. O nome é um piscar de olho tanto à latinidade periférica portuguesa como à condição de estrangeiro dentro da própria tradição. O disco tem dezasseis faixas e um mapa que vai de Havana a Alfama, de East Village ao Tejo, de Chet Baker a Jack Kerouac, cuja voz aparece em loop numa das canções, falando sobre estradas e fugas enquanto a música se desdobra devagar por baixo. É um disco de lugares e de fantasmas.

O Med é um lugar que Tó Trips bem conhece. Depois de ter atuado com a solo, com Dead Combo por duas vezes, e com Club Makumba em 2025, regressa agora com mais um capítulo dessa longa recusa a ficar quieto.

Tulipa Ruiz

(BR)

Tulipa Ruiz é daquelas artistas que chegam como uma explosão de cor numa sala cinzenta: cantora, compositora e ilustradora, tornou-se uma das vozes mais singulares da música brasileira contemporânea, trazendo para o palco um Brasil urbano, afetivo e fantástico, cheio de bichos, amores tortos e alegrias resistentes. Na encruzilhada entre MPB, pop e um certo psicadelismo tropical, o seu universo é ao mesmo tempo íntimo e expansivo, doméstico e cósmico.

Nascida em São Paulo e criada também em Minas Gerais, Tulipa cresceu cercada de música: o pai, Luiz Chagas, guitarrista histórico da Vanguarda Paulista, e uma casa onde discos, desenhos e palavras circulavam à vontade. A música, em casa, não era opção: era o ar que se respirava. Antes de se assumir como cantora, trabalhou em redações, fez design e ilustração, cultivou o olhar e a escuta. Só mais tarde, já adulta, começa a mostrar as suas canções em pequenos palcos, como quem testa devagar um segredo. Esse desabrochar tardio dá à sua obra uma maturidade curiosa: parece estreia e síntese ao mesmo tempo.

A consagração chega com “Efêmera” (2010), disco de estreia que a coloca imediatamente no mapa da nova música brasileira, seguido por “Tudo Tanto”, “Dancê” e outros trabalhos que lhe rendem prémios, parcerias e uma base de fãs espalhada pelo mundo. Ao longo deste percurso, partilha estúdios e palcos com nomes como Metá Metá, Criolo, Céu, Marcelo Camelo, entre tantos outros, desenhando uma rede de afetos e trocas que é também um mapa da cena contemporânea. As suas influências oscilam entre os gigantes da MPB (Gal, Caetano, Milton), o pop internacional, o rock alternativo e as canções de infância, filtradas por um humor e uma sensibilidade muito próprios.

Tulipa cunhou para si mesma a expressão “pop florestal” alimentada por uma infância passada entre mato, cachoeiras e rodas de violão. Metade São Paulo, metade Minas Gerais e essa tensão entre o urbano e o orgânico atravessa toda a sua obra. A voz é o centro de tudo: um timbre marcante, com vibratos acentuados, capaz de ir dos sussurros ao grito, da ternura à combatividade, sem perder a identidade. As influências são tão heterodoxas como ela: Gal Costa e Joni Mitchell, Meredith Monk e Yoko Ono, Manoel de Barros e Robert Crumb.

Em 2022, Habilidades Extraordinárias revelou uma artista transformada: gravado em fita magnética analógica, o álbum flirta com rock, soul e funk, com letras experimentais e combativas, num diálogo cerrado com a cena independente de São Paulo. O dueto O Recado da Flor com João Donato tornou-se, inesperadamente, uma das últimas gravações do mestre. Uma despedida que é também uma passagem de testemunho.

Tulipa Ruiz encarna uma das linhas mais férteis da música brasileira atual: a capacidade de falar de temas íntimos e coletivos com leveza, profundidade e encanto. No MED, o chamado “pop florestal” ganha corpo: as canções expandem-se, respiram, ganham outra pulsação, e a voz torna-se ainda mais magnética. Porque, para ela, o palco é um lugar sagrado, de poder e experimentação.

Dima Libre – Labess Trio

(DZ/CA)

A Argélia de 2003 era um país a recuperar dos seus ferimentos mais recentes. A Guerra Civil da década de 1990, que custou entre cinquenta mil e duzentas mil vidas, tinha deixado cicatrizes profundas na sociedade. Muitos partiram. Alguns levaram consigo apenas uma guitarra e a certeza de que havia algo por dizer que o país de origem ainda não estava pronto para ouvir. Nedjim Bouizzoul tinha dezoito anos quando emigrou para o Québec com a mãe e as irmãs. Chegou a Montreal no verão de 2003 sem dinheiro, sem rede, sem plano. Apenas com uma voz áspera e um instrumento nas mãos.

O princípio foi humilde ao ponto da poesia: Nedjim começou a tocar no metro de Montreal para ter dinheiro para comer. A cidade, porém, tem ouvidos e rapidamente outros músicos profissionais da cena local repararam nele. As colaborações multiplicaram-se. O exílio, compreendeu depressa, não se vive no singular: “o exílio vivido intimamente conjuga-se no plural.” Com esse entendimento nasceu a banda e com ela o nome. Labess significa, em árabe argelino, “tudo bem”. É o que se responde quando alguém pergunta como estás, independentemente de como realmente estás. Há em duas palavras tão pequenas toda uma filosofia de resistência alegre.

A música dos Labess é o que acontece quando o chaâbi argelino, a música dos bairros populares, a música dos “irmãos mais velhos” de Nedjim em Hussein-Dey encontra a rumba cigana, o flamenco, os sons gnawa do Magrebe, os ritmos afro-latinos da Colômbia e o cosmopolitismo de Montreal. Nedjim canta em árabe argelino, em espanhol e em francês, às vezes na mesma canção, às vezes sem avisar qual vem a seguir, porque o exílio também é isso, a impossibilidade de habitar uma só língua. A voz é profunda, comprometida, com aquela qualidade de quem nunca cantou para convencer ninguém, apenas para não calar o que precisava de ser dito. Os krakeb, as castanholas metálicas da tradição gnawa, cruzam-se com clarinete, trompete, guitarra, baixo e percussão numa orquestra que é, ela própria, um mapa do mundo.

Antes de chegar ao Québec, Nedjim viveu dois anos na Colômbia, onde os ritmos vibravam com a memória dos primeiros escravos africanos exilados na América Latina, onde a guitarra espanhola e o árabe partilham raízes mais fundas do que os atlas sugerem. Esse mergulho colombiano ficou guardado, e emergiu em 2021 com Yemma (“mãe”), o quarto álbum, dedicado à mulher que sacrificou tudo para lhe dar asas.

Labess chega ao Med em plena celebração de 20 anos de estrada. O último álbum Dima Libre (2024) alimenta um espetáculo ainda mais coletivo. O concerto é pensado como travessia: da infância em Argel ao exílio nas Américas, até a um presente em que a banda se assume como voz pan-mediterrânica e transatlântica. Em palco, é a prova viva de que, num mundo de fronteiras, a música continua a ser um lugar onde “está tudo bem”.

Sarab

(SY/FR)

A Síria de 2011 deixou de ser apenas um país e tornou-se uma ferida aberta no mapa do mundo. A revolução, a guerra civil, o êxodo de milhões, tudo isso aconteceu enquanto Climène Zarkan vivia em Paris, filha de pai sírio e mãe franco-libanesa, criada em Damasco até aos doze anos antes de regressar à capital francesa. Cresceu entre duas línguas, duas culturas, dois mundos que a história tratou de rasgar. Quando decidiu cantar em árabe numa cidade que não fala árabe, estava a fazer uma escolha política tanto quanto artística: a recusa de deixar morrer o que a língua carrega dentro de si.

Sarāb significa “miragem” em árabe e há nessa escolha de nome toda uma poética: algo que se vê, mas que não se toca, que parece real e não é, que surge no deserto como promessa e se desfaz quando nos aproximamos.

Em 2018, Climène Zarkan e o guitarrista Baptiste Ferrandis encontraram-se em Paris. Começaram como duo a interpretar canções compostas pelo pai de Climène, Bachar Zarkan, reputado tocador de alaúde sírio. Depressa perceberam que o que tinham entre mãos era maior do que um projeto a dois. Cresceram para seis músicos: Thibault Gomez no piano, Timothée Robert no baixo, Paul Berne na bateria e o trombonista Robinson Khoury. Todos figuras centrais da cena de jazz experimental parisiense. A Sarāb estava formada.

O coletivo começou a ser descrito como jazz. Recusaram. Será World music? Encolheram os ombros. A verdade é que a sua música é uma colisão: pós-punk e poesia árabe, maqamāt e sintetizadores analógicos, a voz de Climène Zarkan ora sussurrante ora a uivar por um megafone, ritmos que chegam à beira de partir. As letras convocam a poeta síria Maram al-Masri, o escritor líbio-sudanês Muhammad al-Fayturi, e a voz da própria Zarkan sobre o exílio e a memória: “há palavras em árabe que eu já não reconheço” e cantá-las é a forma de as recuperar.

O álbum de estreia homónimo, em 2019, apresentou reinterpretações de canções tradicionais, muitas sobre amor, mas também a perturbante Tiri, sobre a liberdade palestiniana. Em 2021, Arwāh Hurra (“Almas Livres”) revelou uma banda já a funcionar como coletivo criativo genuíno, cada músico a trazer a sua perspetiva para um vocabulário partilhado. Em 2023, Qawalebese Tape, um EP filmado, nascido de uma imersão profunda nas tradições milenares do Egipto e da Síria roçou o sagrado: música que parece ter chegado de outro tempo, despoeirada de leitores de cassetes e postais amarelados, infundida com influências contemporâneas.

No início deste ano, a Sarāb lançou o álbum mais ambicioso e mais devastador da sua curta existência: Mīt Warde / Cent Roses (“Cem Rosas”), uma homenagem a todos os mártires e desaparecidos da revolução síria e às suas famílias. Gravado num estúdio parisiense célebre por álbuns de rock fundamentais, o disco é, nas suas próprias palavras, “uma odisseia sonora visceral onde os maqamāt, o compromisso político e o poder do rock se encontram”. Dez faixas que incluem “CEASE FIRE NOW” e “Electric Yasmin”. Títulos que dispensam tradução. Climène Zarkan não canta sobre a Síria: canta a Síria, com toda a sua beleza destruída e a sua memória teimosamente viva.

O Med recebe, pois, uma banda em estado de graça e de fúria ao mesmo tempo.

RITA VIAN

(PT)

MAZGANI

(PT/IR)