Asian Dub Foundation

(UK)

Há bandas que não nasceram apenas para tocar música. Nasceram para confrontar o mundo com ela. Os Asian Dub Foundation surgiram no início dos anos 90, no sul de Londres, no cruzamento entre bairros multiculturais, ocupações, sistemas de som, ativismo anti-racista e juventude migrante que recusava permanecer silenciosa. Filhos da diáspora sul-asiática britânica, cresceram entre o reggae dos sound systems jamaicanos, o hip-hop político, o dub militante, o punk combativo e as memórias culturais trazidas da Índia, Bangladesh ou Paquistão. Dessa tensão nasceu uma das linguagens sonoras mais explosivas e politizadas das últimas décadas.

Tudo começou numa oficina de música ligada ao Farringdon Community Music House, espaço de educação musical comunitária em Londres, onde jovens de origens diversas aprendiam a transformar experiência social em criação artística. Ali se cruzaram Deeder Zaman, Dr. Das, Chandrasonic, Sun-J e Pandit G. O nome da banda era já um manifesto: “Asian”, porque recusavam invisibilidade; “Dub”, pela herança jamaicana dos baixos profundos e da resistência sonora; “Foundation”, porque queriam construir algo duradouro a partir das margens.

Desde cedo, os Asian Dub Foundation recusaram qualquer ideia decorativa de multiculturalismo. A sua música era confronto direto. O jungle, o drum’n’bass, o dub e o ragga fundiam-se com tablas indianas, guitarras incendiárias, scratches, spoken word e linhas de baixo sísmicas. Os concertos tornaram-se rapidamente lendários: físicos, caóticos, políticos, quase insurrecionais. Entre o rave e o protesto de rua.

Álbuns como Facts and Fictions (1995), Rafi’s Revenge (1998) ou Community Music (2000) definiram uma estética própria: música de dança com consciência histórica. Falavam de brutalidade policial, racismo estrutural, fascismo europeu, colonialismo, vigilância e exclusão social sem nunca perder o impulso coletivo da celebração. Canções como “Naxalite”, “Free Satpal Ram” ou “Fortress Europe” continuam a soar assustadoramente atuais num continente que insiste em erguer fronteiras físicas e mentais.

Mas os Asian Dub Foundation nunca foram apenas raiva. Há na sua música uma ideia profundamente comunitária: a pista de dança como espaço de encontro e resistência. O baixo convoca o corpo, mas também desperta pensamento. Como os Clash antes deles, compreenderam que energia popular e consciência política não precisam caminhar separadas.

Ao longo de mais de três décadas, colaboraram com nomes tão distintos como Sinéad O’Connor, Iggy Pop, Radiohead, Chuck D ou Primal Scream, compuseram bandas sonoras para cinema mudo e continuaram a reinventar o seu vocabulário entre eletrónica, dub, rock e música do sul asiático. Sem nostalgia. Sem domesticação.

Ao vivo, os Asian Dub Foundation continuam a ser um organismo elétrico. Há algo de urgente e indisciplinado na forma como ocupam o palco. Os beats avançam como protestos urbanos, os baixos vibram como sirenes e as vozes irrompem como palavras de ordem. Num tempo em que a música tantas vezes evita conflito, os ADF lembram-nos que dançar também pode ser um gesto político. E que o som, quando nasce da rua, ainda pode abalar estruturas.

Groundation

(US)

O reggae nasceu de uma ferida. Brotou do solo pobre da Jamaica, de corpos que atravessaram o Atlântico acorrentados e de gerações que aprenderam a sobreviver transformando a dor em ritmo, a opressão em oração. Mas a música que a dor produz não conhece fronteiras geográficas e o que a Groundation fez foi precisamente isso: levar essa chama para fora da ilha, alimentá-la com outros combustíveis, e devolvê-la ao mundo com uma intensidade que Bob Marley, com certeza, reconheceria como sua.

A Groundation nasceu em 1998 no campus da Universidade de Sonoma, no norte da Califórnia, dentro de um programa de jazz. Harrison Stafford, o seu líder e voz, estudava jazz quando formou o grupo. Filho e neto de músicos de jazz, cresceu a ouvir Count Basie com a mesma naturalidade com que descobria os Wailers.

Este cruzamento de mundos não foi acidente nem pose: foi a matéria-prima de algo genuinamente novo. Entre 1999 e 2001, Stafford lecionou o primeiro curso acreditado sobre a história do reggae numa universidade pública californiana porque para ele, antes de tocar, era preciso compreender. E compreendeu tão bem que ajudou a redefinir o que o reggae americano poderia ser.

O nome “Groundation” vem de uma cerimónia rastafári que celebra a ligação à terra e às origens. Uma síntese perfeita do que o grupo viria a representar: música como ritual e consciência.

Em 2002, o álbum Hebron Gate lançou a Groundation para a notoriedade internacional e França tornou-se, quase de imediato, uma segunda pátria para a banda. Desde então construíram uma discografia que mistura reggae roots tradicional com improvisação jazzística, ritmos funk, efeitos dub e camadas afro-cubanas e latinas, sempre com a consciência social que é marca registada do roots reggae: a luta pela justiça, a crítica à ganância, o apelo à unidade. Ao longo dos anos colaboraram com lendas como Don Carlos, The Congos, Apple Gabriel e Israel Vibration ligando deliberadamente a corrente entre gerações.

Em 2025, a Groundation lançou o seu 11.º álbum de estúdio, Candle Burning. Uma viagem musical que não se demora no negativo, mas abraça a luz, o fogo e a vida que ardem dentro de nós. O disco conta com colaborações de Alpha Blondy, Mutabaruka, Thomas Mapfumo e Mykal Rose. Um concílio de sábios da diáspora africana e caribenha reunidos em torno de uma mensagem de resistência serena. Gravado em fita analógica nos lendários estúdios ICP de Bruxelas, o álbum preserva a energia crua e o som orgânico que fazem a reputação da banda, como se a resistência ao digital fosse também, ela própria, um ato político.

Em 2026, o grupo apresenta-se no Med de Loulé com a força dos clássicos e a frescura de quem nunca se rendeu à inércia. Cada concerto é um ritual sonoro que atravessa géneros e gerações, do roots mais puro à improvisação jazzística, com a intensidade emocional de quem faz da música uma causa.

Sérgio Godinho

(PT)

Sérgio Godinho não tem género. Tem universo. As suas canções têm imensas vidas. Imensos arranjos. Habitam ao mesmo tempo o bar e a biblioteca, a estrada e a praça pública. São letras que se lembram, melodias que insistem. E ao vivo, tudo isso ganha uma dimensão diferente: ele é um dos raros artistas capazes de fazer uma sala grande sentir-se íntima. Godinho é, pois, um cartógrafo de geografias afetivas, onde cada tema é um porto de escala diferente, mas a língua portuguesa é sempre o cais de partida.

Nos últimos anos, Sérgio Godinho, com a excelsa formação os Assessores e com outros cúmplices, tem revisitado o seu reportório ao vivo, que desconstroem e reimaginam clássicos como “Liberdade”, “Os Conquistadores” ou “Homem dos Sete Instrumentos”, como se cada concerto fosse um laboratório de arranjos e humores.

Ao longo do tempo, foi incorporando jazz, ritmos urbanos, texturas eletrónicas, ecos de música brasileira e atlântica, mantendo sempre a palavra no centro: histórias em formato de canção, com personagens, ângulos inesperados e uma ironia que nunca se divorcia da ternura.

Registos recentes, como o projeto ao vivo Sérgio vezes três, mostram-no em diálogo próximo com o público, misturando delicadeza acústica, pulsação rítmica e uma permanente disponibilidade para ouvir o tempo presente e comentá‑lo em palco.

Há uma generosidade na sua presença em palco, uma entrega sem artifício, que transforma o concerto numa conversa longa e necessária entre ele e quem o ouve.

Em tempos de ruído rápido e memória curta, Sérgio Godinho e os músicos que o acompanham, lembram-nos que a canção pode ser lugar de amor (Às Vezes O Amor ainda está bem vivo), de encontro, pensamento e dança ao mesmo tempo. É urgente vê-lo em palco porque cada concerto é uma aula viva de como a música portuguesa dialoga com o mundo sem perder o sotaque, abrindo janelas para outras geografias sonoras, sem fechar a porta de casa.

Em 2026, chega com a energia de quem prepara um novo disco de canções inéditas onde essa identidade sonora madura, entre a crónica e o sonho, entre a ferida e a festa, se renova mais uma vez, alimentada por décadas de estrada.

LURA

(CV)

24 de outubro de 2024. Angélique Kidjo, diva maior da música africana, celebra 40 anos de carreira no Auditório da Gulbenkian. Lura é a convidada especial deste espetáculo onde impõe a sua carismática presença em “Carnaval de São Vicente”. Num final incendiário, a cantar a duas vozes o inevitável “Pata Pata” de Miriam Makeba, entre a audiência, encontra Anabela na plateia e leva-a para cima palco para terminar esta celebração da música africana em apoteose.

Lura é fogo. É sangue vulcânico. Uma presença magnética em palco. Dança com fúria alegre, confidencia histórias de bairro, puxa o público para a roda crioula. É Lisboa, Paris e São Vicente. É morna, fado, coladeira, funaná, batuque rebelde da diáspora, afropop, bossa nova, identidade plural tão bem espelhada no álbum Multicolor (2023). Disco que inclui um dueto com Kidjo (Cetam), onde as tradições cabo-verdianas surgem com novas texturas, pintadas com novas tonalidades, como se cada faixa fosse uma ilha diferente do mesmo arquipélago emocional. Entre mensagens de autoestima como Preta (eco de Black Lives Matter).

Adolescente corista nos anos 90, Lura saltou para o estrelato com In Love (2002) e explodiu com Di Korpu Ku Alma (2005), onde Na Ri Na se tornou hino global de alegria crioula. Sete álbuns depois, Lura representa, uma das formas mais luminosas de cantar a diáspora cabo-verdiana com respeito pela raiz e coragem de a reinventar. Num tempo em que as identidades se cruzam e se questionam, a sua música mostra que se pode ser de muitos lugares sem perder o centro.

Quando venera Cesária, a “sodade” é real, tem peso, tem textura, tem o cheiro específico de uma ausência que não se resolve.

No Festival MED assinala uma carreira com 30 anos de atividade que deu várias voltas ao mundo com uma bagagem densa.

Dikanda

(PL)

A Europa Central conhece bem o peso das fronteiras. Szczecin, cidade polaca à beira do Óder, foi durante séculos um lugar de passagem, de conquista e de reconstrução identitária: alemã, polaca, e tudo o que ficou entre as duas. É nesse solo historicamente instável, que em 1997 nasce a Dikanda.

O nome diz tudo: dikanda é, numa língua da África Central, a palavra para família que se solidificou na estrada. A vocalista e acordeonista Anna Witczak-Czerniawska, ao lado do guitarrista Piotr Rejdak, começou por tocar nas ruas da Europa, a improvisar canções para financiar viagens, até que as jam sessions se transformaram numa banda estável. É precisamente esse o espírito do grupo, que vive e trabalha como uma pequena comunidade amorosa, onde cada músico acrescenta uma geografia emocional própria à cartografia sonora do grupo.

O primeiro álbum, Muzyka czterech stron wschodu (“Música dos quatro pontos do Oriente”), de 1999, era uma declaração de intenções: inventariar o mundo sonoro do Leste com a seriedade de um etnomusicólogo e a paixão de quem simplesmente não consegue parar de dançar

O “espaço” de referência da Dikanda é, pois, o Oriente num sentido mítico e antropológico. Um lugar que se estende muito para além do âmbito geográfico: os Balcãs, o Médio Oriente, a Península Arábica, a Índia, a África, o mundo cigano dos Cárpatos.

Dikanda não canta em polaco, nem em macedónio, nem em romeno, nem em árabe. Ou melhor, canta em tudo isso e em mais uma coisa que não existe em nenhum dicionário. Uma das suas marcas mais distintivas é a criação de palavras inventadas nas letras das suas canções, dando origem a uma língua própria chamada dikandisz, a língua da emoção e do coração. Não é truque nem artifício: é a confissão honesta de que há sentimentos que nenhum idioma existente consegue conter, e que a única resposta possível é criar um novo. Num tempo em que as identidades se fecham sobre si mesmas e a diferença assusta, eles propõem o oposto: uma língua que ninguém fala e que toda a gente entende.

O resultado é uma música que comunica para lá das fronteiras linguísticas: quem não entende o texto compreende o gesto, a vibração, a urgência cujas canções oscilam entre danças frenéticas e baladas hipnóticas, passando por métricas irregulares típicas dos Balcãs e escalas orientais cheias de tensão e brilho.

Sangue Suor

(PT)

Há músicas que nascem de um lugar. E há músicas que nascem de uma necessidade.

Portugal tem uma relação antiga com o ritmo. Da percussão dos batuques que atravessaram o Atlântico à pele tensa dos tambores e dos bombos de festa. É um país que guarda no corpo aquilo que não consegue dizer em palavras. Num tempo em que quase tudo cabe num ecrã, três músicos decidiram insistir no oposto: no peso, na matéria, no embate físico com o instrumento.

Tudo começou com um número: 106. Os anos de vida do Theatro Circo de Braga, celebrados em abril de 2021 com a encomenda de um tema comemorativo. Rui Rodrigues, veterano de projetos como At Freddy’s House, OSSO e Ângela Polícia, propôs algo incomum: um momento percussivo partilhado com outros bateristas. Convidou Ricardo Martins, de carreira vasta que inclui Pop Dell’Arte, Jibóia e Filho da Mãe, e Susie Filipe, das Moonshiners e da SIRICAIA. O tema resultante chamou-se Sangue & Suor.

Os três vêm de histórias diferentes. Do rock, do experimentalismo, do teatro, da rua. Mas reconheceram-se na mesma fome de som. Seguiram-se residências artísticas em Leiria, longe da pressão dos palcos, à procura de uma linguagem que ainda não tinham explorado juntos. Em 2023, estrearam O Salto, editado numa parceria entre o Theatro Circo e a Omnichord Records, com seis temas e convidados que mapeiam uma cena portuguesa viva e plural: Surma, Selma Uamusse, LARIE e Cabrita. Nomes que abrem o universo rítmico do trio a melodias, sintetizadores e texturas eletrónicas, num diálogo entre percussão orgânica e camadas processadas.

A identidade sonora dos Sangue Suor é um animal raro. Três baterias dispostas como um pequeno exército, polirritmias que tanto podem sugerir dança como transe, clube noturno como ritual xamânico.

O som que resulta é irrequieto e atravessa fronteiras entre o experimental e o dançável, entre a fúria e a meditação, entre o jazz de câmara e a eletrónica, entre o Portugal de dentro e a diáspora.

Sangue Suor chegam ao Med com um repertório sedimentado e uma cumplicidade em palco que só o tempo cria. Aquilo que fica depois de se dar tudo.

Tangomotán

(FR)

Desde o início que o MED foi um festival que sempre acolheu outras músicas para além das provenientes da extensa bacia do Mediterrâneo. A quarta edição de 2007 encerrou com a formação argentina Bajofondo Tango Club do mestre Gustavo Santaolalla.

19 anos depois, o MED recebe um novo coletivo de eletrotango que evoca estas e outras boas memórias como as de Gotan Project.

Tangomotán é um quarteto parisiense, formado em 2016, que reinventa o tango como música de hoje: fusão visceral de tradição argentina, formação clássica europeia e impulsos electrónicos dançantes. É o tango aumentado (e não eletrotango) como eles bem gostam de referir.

Constituído por músicos exímios de formação clássica nos conservatórios de Paris (CRR, CNSM) e Gennevilliers, como Blanche Stromboni (contrabaixo), Marion Chiron (bandoneon), Robin Apparailly (violino) e Leandro Lacapère (piano), este ensemble transforma o palco num laboratório de tango vivo, acessível e electrizante.

A sonoridade dos Tangomotán funde o tango raiz com bandoneon, violino, piano e contrabaixo a elementos eletrónicos (como loops e distorções). Partindo de melodias tradicionais, amplificam ritmos e improvisações, ecoando os pioneiros do tango eletrónico, mas com um toque operário e humanista, sempre centrado na dança e na energia viva do género. O álbum Motán (2024) e o mais recente L’Étreinte (2026) são a demonstração mais cabal desta alquimia: música que sabe de onde vem e não tem medo de não saber para onde vai.

Ao vivo, vestem o bleu de travail para um visual cru e autêntico, entregando-se a performances viscerais de improvisação e fusão acústico-eletrónica. Dos palcos intimistas aos grandes festivais, hipnotizam com energia contagiante, transformando cada concerto numa milonga moderna e universal.

Para os Tangomotán, o tango não é um género do passado encerrado em si mesmo, é uma linguagem viva, capaz de absorver o presente sem perder o carácter.

Lalalar

(TR)

Istambul é uma cidade que nunca dorme. Ao longo de séculos, foi capital de impérios, encruzilhada entre o Oriente e o Ocidente, depósito vivo de civilizações sobrepostas como camadas geológicas. Mas a Istambul de hoje é também outra coisa: uma metrópole de vinte milhões de pessoas a viver sob pressão política crescente, onde a juventude respira arte como quem respira por necessidade. É desse caldeirão que a Lalalar emerge. Não como produto de exportação, mas como grito urgente de dentro.

O nome já é uma declaração de intenções: lala era, no tempo do Império Otomano, o tutor dos príncipes. O homem mais sábio da corte. Mas em turco moderno, a palavra adquiriu também o sentido oposto: o palhaço, o tolo, o que não leva nada a sério. A Lalalar vive exatamente nessa tensão entre o sábio e o bufão, entre o arquivo e a subversão. Formada em 2019 por Ali Güçlü Şimşek, Barlas Tan Özemek e Alican İpek, três músicos veteranos da cena de Istambul, a banda chegou tarde à festa, mas chegou com tudo: com a maturidade de quem já sabe o que quer dizer e a impaciência de quem não tem tempo a perder.

Em 2022, o álbum de estreia Bi Cinnete Bakar (“À Beira da Loucura”) lança-os para o radar europeu com uma força que ninguém esperava. A editora suíça Les Disques Bongo Joe, a mesma que acolhe vozes tão diversas como Meridian Brothers ou Orchestre Tout Puissant Marcel Duchamp, reconhece imediatamente o que tem entre mãos: algo que não cabe em nenhuma prateleira. Em 2023, En Kötü İyi Olur (“No Pior, Vai Correr Bem”) confirma a promessa e alarga o vocabulário: letras sobre política, rebeldia, personalidades narcísicas, triângulos amorosos e a eterna luta contra a hipocrisia do poder.

A Lalalar não faz fusão no sentido turístico da palavra. O que fazem é mais estranho e mais honesto: escavam o legado da Anatólia: o saz, as polirritmias antigas, a herança do psicadelismo turco dos anos 70. Fazem-no passar pela corrente de alta tensão do punk, da eletrónica industrial, do funk e da new wave dos anos 80. O resultado é desconcertante e irresistível: linhas de baixo gordas cinematográficas e hipnóticas, batidas elétricas e sujas, guitarras que se enrolam como serpentes, que ora soam a surf, ora a rock anatólio, samples que piscam o olho tanto ao cinema turco antigo como à cultura de videojogo.

A voz surge por vezes declamada, quase rap, noutras em registo hipnótico, repetitivo, criando slogans e imagens que se colam à memória. As canções constroem-se como colagens, cheias de recortes, efeitos, cortes bruscos, mas há sempre um fio condutor rítmico que mantém o corpo em movimento. É uma música que respeita a canção, mas pensa como DJ: sempre à procura da próxima subida de energia.

LALA TAMAR

(MA)

O Mediterrâneo é um mar de camadas. Nele se depositaram, ao longo de milénios, civilizações, línguas, religiões e deportações. Entre todas as histórias de encontro e de perda que as suas margens guardam, poucas são tão vertiginosas como a dos judeus sefarditas expulsos da Península Ibérica em 1492. Levaram consigo o castelhano medieval, misturaram-no com o árabe marroquino e com o hebraico, e criaram uma língua que durante séculos sobreviveu apenas nas bocas de mulheres, em canções cantadas em casas e em pátios. Essa língua chama-se Haquetia e estava quase morta quando Lala Tamar a encontrou.

O nome completo é Tamar Bloch. Nasceu na Galileia, em Israel, filha de mãe marroquina e pai brasileiro o que significa que cresceu com o árabe do Magrebe, com o hebraico e com o português a circular pela mesma casa, sem que nenhuma dessas línguas parecesse mais legítima que as outras. Lala é um honorífico marroquino que significa “senhora” ou “menina” e há nessa escolha de nome artístico toda uma declaração de fidelidade às raízes maternas.

A música que a salvou chegou tarde, na casa dos vinte anos, quando tropeçou nas gravações etnográficas das mulheres judaicas marroquinas a cantar em Haquetia, guardadas no Arquivo Nacional em Jerusalém. Aí percebeu que a sua voz não vinha só do presente: era herdeira de um coro de avós, tias, vizinhas, cujas melodias estavam à espera de ser reencarnadas.

O que fez a seguir foi digno de arqueóloga: transcreveu pacientemente as gravações, estudou a tradição musical clássica marroquina durante anos, aprendeu a tocar percussão e guimbri. O instrumento de cordas de origem gnawa, feito de pele de camelo, e tornou-se a primeira artista a gravar um álbum contemporâneo em Haquetia. O álbum de estreia homónimo, lançado em 2020 em plena pandemia é um manifesto de hibridização entre a tradição profunda das mulheres norte-africanas, música gnawa, andaluza, sefardita, a produção pop de pista de dança e batidas de eletrónica contemporânea.

Para Lala Tamar, a sua música não é só entretenimento: é um gesto de preservação e reinvenção cultural, que nos lembra que a memória também pode suar, rodopiar e rir. E porque, quando ela entra em palco, o passado deixa de ser passado. Torna-se batida, respiração, futuro em movimento.

Tulipa Ruiz

(BR)

Tulipa Ruiz é daquelas artistas que chegam como uma explosão de cor numa sala cinzenta: cantora, compositora e ilustradora, tornou-se uma das vozes mais singulares da música brasileira contemporânea, trazendo para o palco um Brasil urbano, afetivo e fantástico, cheio de bichos, amores tortos e alegrias resistentes. Na encruzilhada entre MPB, pop e um certo psicadelismo tropical, o seu universo é ao mesmo tempo íntimo e expansivo, doméstico e cósmico.

Nascida em São Paulo e criada também em Minas Gerais, Tulipa cresceu cercada de música: o pai, Luiz Chagas, guitarrista histórico da Vanguarda Paulista, e uma casa onde discos, desenhos e palavras circulavam à vontade. A música, em casa, não era opção: era o ar que se respirava. Antes de se assumir como cantora, trabalhou em redações, fez design e ilustração, cultivou o olhar e a escuta. Só mais tarde, já adulta, começa a mostrar as suas canções em pequenos palcos, como quem testa devagar um segredo. Esse desabrochar tardio dá à sua obra uma maturidade curiosa: parece estreia e síntese ao mesmo tempo.

A consagração chega com “Efêmera” (2010), disco de estreia que a coloca imediatamente no mapa da nova música brasileira, seguido por “Tudo Tanto”, “Dancê” e outros trabalhos que lhe rendem prémios, parcerias e uma base de fãs espalhada pelo mundo. Ao longo deste percurso, partilha estúdios e palcos com nomes como Metá Metá, Criolo, Céu, Marcelo Camelo, entre tantos outros, desenhando uma rede de afetos e trocas que é também um mapa da cena contemporânea. As suas influências oscilam entre os gigantes da MPB (Gal, Caetano, Milton), o pop internacional, o rock alternativo e as canções de infância, filtradas por um humor e uma sensibilidade muito próprios.

Tulipa cunhou para si mesma a expressão “pop florestal” alimentada por uma infância passada entre mato, cachoeiras e rodas de violão. Metade São Paulo, metade Minas Gerais e essa tensão entre o urbano e o orgânico atravessa toda a sua obra. A voz é o centro de tudo: um timbre marcante, com vibratos acentuados, capaz de ir dos sussurros ao grito, da ternura à combatividade, sem perder a identidade. As influências são tão heterodoxas como ela: Gal Costa e Joni Mitchell, Meredith Monk e Yoko Ono, Manoel de Barros e Robert Crumb.

Em 2022, Habilidades Extraordinárias revelou uma artista transformada: gravado em fita magnética analógica, o álbum flirta com rock, soul e funk, com letras experimentais e combativas, num diálogo cerrado com a cena independente de São Paulo. O dueto O Recado da Flor com João Donato tornou-se, inesperadamente, uma das últimas gravações do mestre. Uma despedida que é também uma passagem de testemunho.

Tulipa Ruiz encarna uma das linhas mais férteis da música brasileira atual: a capacidade de falar de temas íntimos e coletivos com leveza, profundidade e encanto. No MED, o chamado “pop florestal” ganha corpo: as canções expandem-se, respiram, ganham outra pulsação, e a voz torna-se ainda mais magnética. Porque, para ela, o palco é um lugar sagrado, de poder e experimentação.