Bohemian Betyars

(HU)

Há bandas que transformam o caos em celebração e os Bohemian Betyars são a prova viva disso. Nascidos em 2009, em Miskolc, no nordeste húngaro, este sexteto tornou-se sinónimo de energia contagiante, humor irreverente e uma sonoridade que atravessa fronteiras.

O seu nome, que junta o espírito livre “boémio” ao termo húngaro betyár (fora da lei, o vagabundo nobre que recusa a ordem estabelecida), imprime-lhes um manifesto: viver e tocar sem amarras, num eterno convite à dança e à resistência alegre, recuperando a festa dos Balcãs e das aldeias ciganas, com atrevimento punk.

Desde cedo, cruzaram caminhos com o ska dos anos noventa, o punk rock centro-europeu e a vertigem balcânica popularizada por nomes como Goran Bregović, Emir Kusturica, Fanfare Ciocărlia, Gogol Bordello ou Dubioza Kolektiv. Mas os Betyars têm algo de único: uma relação espontânea entre o caos e a precisão musical. As suas canções transitam entre a euforia das fanfarras, o balanço cigano, o deboche da festa ska e o lirismo melancólico dos violinos da planície austro-húngara. Descrita muitas vezes como speed-folk freak-punk, a música dos Bohemian Betyars reconcilia tradição e modernidade num abraço turbulento. É música de viagem e de desenraizamento, memória e futuro ao mesmo tempo.

Os temas, muitas vezes cantados em húngaro, evocam bailes rurais, amores desavergonhados e um certo espírito libertário que sempre acompanhou as margens da cultura centro-europeia.

Num espetáculo que é tão intenso quanto teatral, figurinos coloridos, coreografias improvisadas e uma energia que parece alimentar-se diretamente da multidão, o público não assiste, participa. E quando os sopros começam a galgar o compasso, o concerto transforma-se num ritual coletivo de alegria anárquica.

No MED, os Betyars mostram que continuar a dançar é uma forma de resistência e que a festa pode ser, também, uma arma política.

Tiken Jah Fakoly

(CI)

Há quem cante para entreter, e há quem cante para despertar. Tiken Jah Fakoli é de uma linhagem antiga, a dos griots, os guardiões da memória africana. Como eles, não se limita a contar histórias: transmite saber, esperança e resistência. A sua música é crónica e manifesto, descrevendo a vida quotidiana e denunciando as injustiças que persistem entre os povos. Num continente onde a palavra sempre foi poder, Tiken ergue-se como um arauto de consciência política e social, herdeiro de uma tradição oral que, através do reggae, encontra nova força e alcance global.

Nascido Doumbia Moussa Fakoly, em 1968, na pequena cidade de Odienné, noroeste da Costa do Marfim, cresceu a ouvir a cadência dos tambores e as histórias dos anciãos. Esses ritmos e narrativas formaram-lhe o espírito crítico e o sentido de pertença. Jovem ainda, foi testemunha de tensões étnicas e desigualdades gritantes, e percebeu cedo que a música podia ser uma ferramenta de união e denúncia.

O percurso musical de Tiken Jah Fakoli é um mapa da África moderna: das ruas de Abidjan à diáspora em Bamaco, Paris ou Montréal, cada etapa reflete encontros e transformações. Inspirado por ícones jamaicanos como Peter Tosh e Burning Spear, mas enraizado em tradições mandingas, criou um reggae de identidade africana, impregnado de corás, ngonis e percussões tribais. A partir do álbum Mangercratie (1996), a sua voz tornou-se referência continental. Seguiram-se trabalhos como Françafrique (2002) e African Revolution (2010), onde conjuga crítica política e espiritualidade, sempre com swing irresistível e letras que ressoam como sermões laicos.

A identidade sonora de Tiken Jah Fakoli é uma ponte entre mundos: o reggae raiz jamaicano e o pulso ancestral da África Ocidental. Nele encontramos o legado espiritual de Bob Marley, mas reinterpretado segundo a geografia e a luta africanas. Se Marley proclamava “One Love” como um apelo universal, Tiken acrescenta-lhe um contexto e uma urgência: “Um amor, sim, mas também justiça e verdade.” Na sua música, o baixo grave é bússola, a voz é chama, e as palavras são armas pacíficas. Como Marley, acredita no poder transformador da canção e na responsabilidade do artista para com o seu povo.

Num tempo em que o ruído frequentemente abafa a verdade, ver Tiken Jah Fakoli em palco é um gesto de lucidez. Porque ele lembra-nos que dançar pode ser também um ato político, e que a alegria não é fuga. É resistência. O seu reggae não anestesia, desperta.

Arooj Aftab

(PK)

Há vozes que chegam de um lugar difícil de situar no mapa. A de Arooj Aftab é uma delas. Nascida em Lahore, no Paquistão, criada entre a Arábia Saudita e os Estados Unidos, ela é filha de uma geografia interior tão vasta quanto contraditória. É precisamente dessa tensão que nasce a sua música.

Cresceu rodeada pelo canto devocional islâmico, pela poesia clássica urdu que os avós recitavam como quem reza, e pela música pop que chegava por canais menos esperados. Nada disso se perdeu. Tudo ficou, a sedimentar, à espera de forma. Em criança, foi uma autodidata curiosa, fascinada pelas gravações de Nusrat Fateh Ali Khan, Abida Parveen e Mehdi Hassan. Na adolescência, começou a reinterpretar clássicos do ghazal e do qawwali com uma subtileza que rompia convenções.

Mais tarde, quando chegou ao Berklee College of Music, em Boston, encontrou a linguagem técnica para o que já trazia dentro. Encontrou também o jazz modal, a música minimalista, a eletrónica ambiental e a composição moderna.

O que emergiu desse percurso é uma obra que desafia qualquer prateleira. Os seus álbuns, em particular Vulture Prince, lançado em 2021 e dedicado ao irmão que perdeu demasiado cedo, são objetos de rara densidade emocional. Neles, o ghazal e o sufi qawwali encontram arranjos de cordas que parecem respirar, camadas electrónicas que funcionam como névoa, e uma voz que não força nunca, que não se compete com nada, mas que ocupa tudo.

Em 2022, o Grammy de Melhor Performance Global, a curiosidade de Barack Obama incluir a canção Mohabbat na sua playlist de verão, veio confirmar o que os ouvintes mais atentos já sabiam: Arooj Aftab não é uma promessa. É uma presença.

Desde então, Aftab tem colaborado com figuras como Vijay Iyer, Shahzad Ismaily ou Meshell Ndegeocello, construindo pontes entre o jazz espiritual, o neoclássico e as raízes sufi. O trio Love in Exile (2023) consolidou essa estética de improvisação contemplativa. Música como respiração partilhada.

Night Reign (2024) confirmou que o prémio não tinha sido um acidente. Era apenas o mundo a pôr-se a par do que ela já fazia.

A sua identidade sonora é feita de paradoxos produtivos: é antiga e contemporânea, é íntima e cósmica, é contida e absolutamente devastadora. Ouvir Arooj é aceitar ser conduzido a um tempo que não é bem o nosso. Um tempo suspenso, onde a dor e a beleza coexistem sem se anularem.

No MED apresentará um espetáculo que é ao mesmo tempo ritual e confidência.

MArio Lucio & The Pan African Band

(CV)

Mario Lucio & The Pan African Band surgem como uma chama viva da crioulização cabo-verdiana, celebrando a fusão de África, diáspora e independência num tempo em que a identidade ainda é luta e festa. Cantor, compositor, poeta e ex-ministro da Cultura, Mario Lucio encarna a visão de um arquipélago que se fez na encruzilhada dos mares, onde ritmos proibidos renasceram livres e pan-africanos.

A 5 de Julho de 1975, Cabo Verde tornava-se independente. Era o segundo território de expressão portuguesa em África a libertar-se do jugo colonial e Mario Lucio Sousa tinha dez anos. Crescia no Tarrafal, ilha de Santiago, a mesma ilha onde o regime de Salazar instalara um campo de concentração para presos políticos das colónias. Um miúdo de dez anos guardava memórias de danças que regressavam, de músicas que voltavam de um exílio silencioso, de um povo que punha o corpo a celebrar o que durante décadas fora proibido. Cinquenta anos depois, esse miúdo regressou às memórias para fazer o disco da sua vida.

Lúcio Matias de Sousa Mendes, o nome completo que o mundo conhece como Mario Lucio, nasceu em 1964. Perdeu o pai aos doze anos e a mãe três anos depois, ficando com sete irmãos à guarda do exército cabo-verdiano, no quartel do Tarrafal. Foi o exército que lhe pagou a escola secundária; foi uma bolsa do governo cubano que em 1984 o levou a Havana a estudar Direito. Regressou seis anos depois, exerceu advocacia, foi assessor cultural do Ministério da Cultura, deputado ao parlamento entre 1996 e 2001, e de 2011 a 2016 ocupou o cargo de Ministro da Cultura de Cabo Verde. Nesse papel, criou o Atlantic Music Expo, um dos mais importantes fóruns de música da diáspora atlântica, e o Fesquintal de Jazz, o festival de jazz internacional do arquipélago. Um homem de muitos chapéus, todos levados a sério.

Mas antes de tudo isso, e durante tudo isso, havia a música. Mario Lucio fundou a Simentera, banda que marcou o regresso da música cabo-verdiana às suas raízes acústicas e reivindicou a cultura africana continental como parte integrante da identidade cabo-verdiana. Compôs para a saudosa Cesária Évora, para Ildo Lobo e para muitos outros. Publicou seis álbuns a solo antes de chegar ao sétimo e mais ambicioso: Independance, lançado em janeiro de 2025, exatamente cinquenta anos após a independência.

O título Independance contém, deliberadamente, a palavra dance. É um jogo de palavras que Mario Lúcio não explica, deixa que se entenda. O álbum é uma festa da memória e da consciência ao mesmo tempo: um disco que celebra o regresso das danças folclóricas proibidas pelo colonialismo e a abertura do arquipélago às músicas urbanas de Angola, Congo, Guiné, Nigéria, Gana e Senegal: afrobeat, soukous, rumba, coladeira, funaná, tudo misturado com a leveza de quem conhece tão bem as tradições que pode brincar com elas. Para o dar a ouvir ao vivo, formou a Pan African Band: Jery Bidan, da Guiné-Bissau, na guitarra; Ricardo Campos, de Angola, no baixo; e Dilson Groove, do Congo, na bateria. Uma banda que é, ela própria, uma declaração política. O Atlântico negro em miniatura, reunido em palco.

Mario Lucio é cantor, guitarrista, compositor, poeta, romancista, pintor, legislador e pensador. Em palco, tudo isso está presente ao mesmo tempo, sem que nada pareça demais. É um dos raros artistas que consegue ser simultaneamente sábio e festivo, profundamente político e completamente dançável. A Pan African Band que o rodeia não é adorno, é argumento: a prova viva de que o Atlântico que durante séculos transportou escravos pode hoje ser o mesmo oceano que transporta alegria e dignidade. No Med, cinquenta anos de independência celebram-se assim. A dançar, com consciência.

Seun Kuti & Egypt 80

(NG/FR)

Há quem confunda os termos afrobeat e afrobeats e o esclarecimento é importante, sobretudo quando falamos de Seun Kuti. O afrobeat, criado por Fela Kuti na Lagos dos anos 70, é um género potente e expansivo: mistura de ritmos iorubás, jazz, funk, soul e uma coragem política sem receio. Cada tema era manifesto, cada sopro, uma faísca de revolta. Já o afrobeats (no plural), que domina hoje as pistas urbanas de Lagos a Londres, é um movimento mais pop e eletrónico, nascido de uma descendência estética, mas com menos carga militante. Seun Kuti permanece fiel ao primeiro. O afrobeat original, o corpo e o nervo de uma África que pensa, dança e resiste.

Seun Anikulapo Kuti nasceu em 1983, em Lagos. Filho mais novo do lendário Fela Kuti e da militante e performer Fehintola Anikulapo Kuti. Cresceu literalmente dentro do palco e dos ensaios do Shrine, o lendário quartel-general da orquestra Egypt 80, onde aprendeu cedo que música e política podiam falar a mesma língua. Aos nove anos já acompanhava o pai em digressões; aos catorze, depois da morte de Fela, assumiu a liderança da banda. Um gesto quase mítico de continuidade.

Desde então, Seun Kuti tem percorrido o mundo com uma energia visceral. Dos primeiros álbuns Many Things (2008) e From Africa with Fury: Rise (2011, produzido por Brian Eno) até a Black Times (2018), ergue uma ponte entre a Nigéria contemporânea e o legado do pai, acrescentando-lhe urgência e fogo próprios. Influenciado pelo jazz insurgente de Coltrane, pelo groove político de James Brown e pela poesia de resistência de artistas africanos modernos, Seun cultiva um som que não se limita à homenagem. É reinvenção viva.

No comando da Egypt 80, a banda de metais implacáveis e percussões que nunca adormece, Seun Kuti mantém o ADN do afrobeat: a extensa construção rítmica, a hipnose repetitiva, o discurso social no centro da dança. Mas há também espaço para reaggae, spoken word e improvisação jazzística. Cada concerto é um rito de libertação. O legado de Fela percorre o palco, mas Seun habita-o como um líder novo: feroz, eletrizante, profundamente contemporâneo.

15 anos depois, o MED revê um furacão de energia que arrasta a orquestra e o público para uma celebração de liberdade africana e universal.

Daniel Kemish & Friends

(UK)

A América profunda não existe só na América. Existe em qualquer lugar onde um homem pegue numa guitarra, olhe para o horizonte com a resignação dos que perderam muito e a teimosia dos que continuam à mesma, e decida pôr isso numa canção. Existe em Nashville, em Bakersfield, nos campos de algodão do Mississippi, mas existe também, de forma mais improvável e por isso mais interessante, numa infância passada em Portugal, num rapaz britânico que cresceu entre o Atlântico e o Alentejo e ficou para sempre convencido de que nasceu no continente errado.

Daniel Kemish nasceu no Reino Unido, mas foi em Portugal que cresceu e essa dupla pertença moldou nele algo que os americanos genuínos raramente conseguem: a distância necessária para ver a tradição com clareza, sem a pressão de ter de a defender ou de a trair. Começou a tocar em bares e clubes britânicos em 2006, a tocar canções de outros, à procura da sua voz. Em 2011, decidiu que era tempo de ter algo próprio para dizer. Tinha histórias acumuladas de estradas percorridas, de noites em países sem nome na memória, de pessoas encontradas e deixadas para trás.

A música de Daniel Kemish é americana no sentido mais nobre do termo. Aquele que precede a moda e sobrevive a ela. Blues, country, folk alternativo, tudo passado pelo filtro de alguém que conhece a tradição porque a amou antes de a estudar.

O álbum de estreia Fools & Money, gravado nos legendários estúdios Ocean Way em Nashville, onde Bob Dylan, Elvis Costello e REM já tinham gravado, foi lançado em 2016 e estabeleceu de imediato as coordenadas: voz de barítono rascante, letras observacionais e sombrias, country filtrado pela sensibilidade Outlaw dos anos 70. As influências são claras e declaradas. Bob Dylan, Johnny Cash, Waylon Jennings, Bob Seger. Mas o que Daniel Kemish faz com elas é seu: não imitação, mas linhagem. O segundo álbum, Under The Same Sky, foi escrito em isolamento radical, num refúgio nas montanhas austríacas sem eletricidade, sem água corrente, sem telefone, aquecido apenas por uma salamandra e pela urgência de criar. Em 2023, Hard Times, gravado inteiramente em fita analógica nos estúdios Welcome to 1979 em Nashville, misturado ao vivo sem computador, cortado diretamente para vinil em lacas analógicas, chegou como afirmação de princípios: que a honestidade do som importa tanto quanto a honestidade das palavras.

Daniel Kemish construiu grande parte da sua reputação a solo. Apenas ele, a guitarra e a sala. Mas ao longo dos anos foi reunindo músicos de confiança para os momentos em que as canções pediam mais do que uma voz e seis cordas. Os Friends que o acompanham no MED não são decoração: são a extensão natural de um som que cresce quando partilhado.

Expresso Transatlântico

(PT)

Há uma Lisboa que não cabe num postal. Que não se explica em verso de saudade nem em cartão turístico. É mestiça, em contante movimento, aberta ao Mediterrâneo, ao Atlântico e ao resto do mundo. A partir desta Lisboa, os Expresso Transatlântico transformam a guitarra portuguesa em personagem principal de um filme sonoro que tanto cabe num clube intimista, como num grande festival de rock ou de músicas do mundo.

No centro do trio está Gaspar Varela, guitarrista português de exceção e bisneto da histórica fadista Celeste Rodrigues, herança que garante uma linha direta à casa de fado e ao património de Amália. Ao lado, o irmão Sebastião Varela assume a guitarra elétrica e Rafael Matos a bateria, deslocando o fado para um território onde a tradição dialoga, sem reverência cega, com a cidade de hoje. Não vêm “evangelizar” o fado, como gostam de sublinhar; vêm antes provar que o ADN fadista pode sobreviver e florescer fora das fronteiras do género.

Depois de um EP de estreia apresentado na WOMEX de 2022 (a maior feira de músicas do mundo), lançam em 2023 o álbum Ressaca Bailada. Obra descrita pela crítica como um “baile de beleza e fúria com saudades do futuro”, onde o fado se cruza com rock, blues, funaná, samba e ecos do cinema de western à portuguesa, entre referências que vão de Dead Combo a Zeca Afonso.

Em palco, o Expresso Transatlântico é uma outra coisa. A música ganha corpo, urgência, uma fisicalidade que os registos gravados apenas anunciam.

Ao MED trazem o segundo e novo álbum que saiu em janeiro deste ano. Trópico Paranóia, produzido por Paulo Furtado (The Legendary Tigerman), assume mais risco e tensão, olhando de frente para um mundo em decadência, sem perder a pulsação festiva que a define.

Num tempo em que se levantam muros e se desconfia da mistura, os Expresso Transatlântico respondem com um baile humanista. A sua diversidade é riqueza, não ameaça.

Omar And the Eastern Power

(MA/EG/KR)

A Coreia do Sul é o último lugar onde alguém esperaria encontrar os blues do deserto do Saara e a música espiritual gnawa do norte de África. Mas o século XXI tem dessas belas ironias. Num mundo onde a globalização desfaz fronteiras ao mesmo tempo que a política as reconstrói, há músicos que escolhem viver exatamente no intervalo entre os dois movimentos: a habitar países que não são os seus, a cantar em línguas que não são as da sua infância, a fazer da condição migrante não um problema, mas uma linguagem. Omar Benassila chegou a Seul vindo de Marrocos. O baterista Zaky Wael veio do Egipto. Os membros coreanos cresceram do outro lado do mundo.

Tudo começou em Jeju, a ilha vulcânica a sul da Coreia, conhecida pelos seus jardins de lava, pelas suas pescadoras mergulhadoras e pelo seu vento constante. Foi nessa ilha improvável, numa pequena casa de pescadores, que Omar Benassila se instalou em 2015 a escrever canções. Tinha chegado à Coreia uma década antes, integrado na cena de música ao vivo do bairro de Hongik em Seul, tocado jazz, rock e música clássica com músicos coreanos, participado em residências artísticas. Em Jeju, encontrou a quietude necessária para ouvir o que tinha para dizer: algo que soava a Sahel, a Marrocos, ao transe gnawa e ao deserto do Saara. Partilhou as canções com Zaky Wael, o percussionista egípcio que vivia em Seul. Wael apaixonou-se imediatamente. Juntaram-se dois músicos coreanos: Oh Jin-woo na guitarra e Tehiun no baixo. A banda formou-se em 2016, com um nome que é, ele próprio, uma declaração de identidade: Omar e o Poder Oriental.

A música dos Omar and the Eastern Power é o que acontece quando a nostalgia do deserto encontra a percussão do Rio Nilo e os dois são filtrados pela sensibilidade musical coreana: disciplinada, precisa, com uma relação profunda com o ritmo que vem de tradições milenares. O blues gnawa marroquino fornece o trance e a espiritualidade; o afrobeat dá o groove e a energia coletiva; o dub abre espaço e silêncio; o rock psicadélico faz tudo explodir quando é preciso. As letras, escritas por Omar, são crónicas da vida migrante. A alegria e a tristeza, o trabalho duro e o amor, a saudade e o espanto de descobrir que o mundo cabe numa canção. O próprio Omar resumiu com precisão: “Acreditamos que a música é uma. E os géneros e estilos são um pouco como fronteiras entre países. Por isso tentamos ir para além delas.”

Num mundo fragmentado, Omar and the Eastern Power unem Magrebe, Nilo e o Extremo Oriente numa dança irresistível.

Tó Trips & Fake Latinos

(pt)

Portugal tem uma relação complicada com a própria latinidade. É latino por língua, por história, por temperamento, mas sempre se sentiu um pouco à margem dos outros latinos, mais contido, mais saudosista, mais avesso à exuberância que o Brasil, a Colômbia ou Cuba exibem sem pedir licença. Nesse intervalo incómodo, entre o que somos e o que negamos ser, é que Tó Trips sempre habitou: um guitarrista da grande Lisboa que nunca se conformou com Lisboa, que sempre teve um pé dentro e outro fora, e que escolheu dar à sua nova banda o nome de uma contradição: Fake Latinos.

Com este novo quarteto abre um novo capítulo onde a música é “dissidência” contra o óbvio, viagem entre o que fomos e o que ainda seremos. Acompanham-no em mais esta viagem Alexandre Frazão na bateria, António Quintino no contrabaixo e Helena Espvall no violoncelo. Uma banda que evoca as migrações sonoras da lusofonia, do Brasil a Cabo Verde, passando por Espanha e América Latina, celebrando a mestiçagem como força viva.

Tó Trips acumula quase quatro décadas de ofício à guitarra. Um caso raro, na música portuguesa, de resiliência benigna e constante inventividade. Começou nos Amen Sacristi, depois passou pelos Lulu Blind e Dead Combo, a banda que fundou em 2003 com o contrabaixista Pedro Gonçalves e que durante dezasseis anos criou composições instrumentais marcadas pelo rock, pelos blues e pela tradição portuguesa, com influências que se estendiam a África e à América Latina.

Em 2025, enquanto andava na estrada numa outra viagem sonora imaginária denominada Club Makumba, lançou Dissidente em formato quarteto com os Fake Latinos. O nome é um piscar de olho tanto à latinidade periférica portuguesa como à condição de estrangeiro dentro da própria tradição. O disco tem dezasseis faixas e um mapa que vai de Havana a Alfama, de East Village ao Tejo, de Chet Baker a Jack Kerouac, cuja voz aparece em loop numa das canções, falando sobre estradas e fugas enquanto a música se desdobra devagar por baixo. É um disco de lugares e de fantasmas.

O Med é um lugar que Tó Trips bem conhece. Depois de ter atuado com a solo, com Dead Combo por duas vezes, e com Club Makumba em 2025, regressa agora com mais um capítulo dessa longa recusa a ficar quieto.

Dima Libre – Labess Trio

(DZ/CA)

A Argélia de 2003 era um país a recuperar dos seus ferimentos mais recentes. A Guerra Civil da década de 1990, que custou entre cinquenta mil e duzentas mil vidas, tinha deixado cicatrizes profundas na sociedade. Muitos partiram. Alguns levaram consigo apenas uma guitarra e a certeza de que havia algo por dizer que o país de origem ainda não estava pronto para ouvir. Nedjim Bouizzoul tinha dezoito anos quando emigrou para o Québec com a mãe e as irmãs. Chegou a Montreal no verão de 2003 sem dinheiro, sem rede, sem plano. Apenas com uma voz áspera e um instrumento nas mãos.

O princípio foi humilde ao ponto da poesia: Nedjim começou a tocar no metro de Montreal para ter dinheiro para comer. A cidade, porém, tem ouvidos e rapidamente outros músicos profissionais da cena local repararam nele. As colaborações multiplicaram-se. O exílio, compreendeu depressa, não se vive no singular: “o exílio vivido intimamente conjuga-se no plural.” Com esse entendimento nasceu a banda e com ela o nome. Labess significa, em árabe argelino, “tudo bem”. É o que se responde quando alguém pergunta como estás, independentemente de como realmente estás. Há em duas palavras tão pequenas toda uma filosofia de resistência alegre.

A música dos Labess é o que acontece quando o chaâbi argelino, a música dos bairros populares, a música dos “irmãos mais velhos” de Nedjim em Hussein-Dey encontra a rumba cigana, o flamenco, os sons gnawa do Magrebe, os ritmos afro-latinos da Colômbia e o cosmopolitismo de Montreal. Nedjim canta em árabe argelino, em espanhol e em francês, às vezes na mesma canção, às vezes sem avisar qual vem a seguir, porque o exílio também é isso, a impossibilidade de habitar uma só língua. A voz é profunda, comprometida, com aquela qualidade de quem nunca cantou para convencer ninguém, apenas para não calar o que precisava de ser dito. Os krakeb, as castanholas metálicas da tradição gnawa, cruzam-se com clarinete, trompete, guitarra, baixo e percussão numa orquestra que é, ela própria, um mapa do mundo.

Antes de chegar ao Québec, Nedjim viveu dois anos na Colômbia, onde os ritmos vibravam com a memória dos primeiros escravos africanos exilados na América Latina, onde a guitarra espanhola e o árabe partilham raízes mais fundas do que os atlas sugerem. Esse mergulho colombiano ficou guardado, e emergiu em 2021 com Yemma (“mãe”), o quarto álbum, dedicado à mulher que sacrificou tudo para lhe dar asas.

Labess chega ao Med em plena celebração de 20 anos de estrada. O último álbum Dima Libre (2024) alimenta um espetáculo ainda mais coletivo. O concerto é pensado como travessia: da infância em Argel ao exílio nas Américas, até a um presente em que a banda se assume como voz pan-mediterrânica e transatlântica. Em palco, é a prova viva de que, num mundo de fronteiras, a música continua a ser um lugar onde “está tudo bem”.